Итику Кубота кимоно или больше?

      Располагайтесь поудобнее, отвлекитесь от суеты, заварите себе ароматный чай и приготовьтесь совершить приятное путешествие в мир гармонии и красоты… Итак, мы отправляемся в Японию, чтобы узнать как можно больше о талантливом  художнике новаторе  Итику Кубота /Itchicu Kubota/,  с работами которого, мне посчастливилось познакомиться лично.  Я отношу Куботу  к той редкой категории людей, которые воспринимают мир не только поверхностными впечатлениями  «что вижу, то пою», но и  становятся частью этого мира, погружаются в него всем существом, тем самым «добывая» и открывая людям новые краски, новые ощущения. Искусство Итику, не смотря на сложное техническое  исполнение, я бы больше назвала философским. Почему?  Скользите взглядом по этим строчкам и скоро Вы всё узнаете…

       Сразу отмечу, что мастеру принадлежит заслуга возрождения древней техники декорирования Цудзигахана ( букв. «цветы на пересечении дорог»)  некогда считавшейся утраченной навсегда и создания её модификаций. Поверхность кимоно для Куботу  служит холстом, некоторые из них- это уникальные работы с индивидуальным изысканным рисунком, благодаря художнику сам предмет кимоно перешел из разряда предметов одежды в статус высокого искусства.

   Всю свою жизнь Кубота искал способ сделать кимоно символом традиционной Японии, уместным в современном мире. «Моим желанием было создать кимоно, у которого есть душа,- однажды сказал он,- взывающая к тем, кто её видит».

     Когда молодой 20-летний художник, мастер юдзен Итику Кубота  в 1937 году переступил порог Токийского национального музея, он и не подозревал о том, что его ждут впечатления, которые перевернут всю его жизнь. В залах музея Итику впервые познакомился с Цудзигахана- японской техникой изготовления кимоно XVI в., просуществовавшей всего сто лет с момента своего возникновения. Кубота был настолько захвачен полученными впечатлениями, что сейчас же решил посвятить себя возрождению древнего метода. Однако, Вторая мировая война нарушила его планы.

    Вернувшись в Токио, Кубота вновь приступил в работе в технике юдзен, однако не оставлял свои мысли о Цудзигахане. После многих лет изучения и экспериментов, ему удалось раскрыть многие тайны этого метода, но вместо того, чтобы полностью восстановить старинную технику, он прибегнул к её модернизации. Итику создал уникальный метод, основанный на собственных широких знаниях юдзен, применении современных тканей и красителей, технике многоточечного крашения тай-дай и росписи чернилами, характерных для Цудзигаханы. Мастер назвал новый метод Итику Цудзигахана в знак уважения к тому явлению, которое вдохновляло его на протяжении многих лет.

    Первые произведения Итику Цудзигахана были с успехом продемонстрированы в Токио в 1977 году, их инновационный дизайн и техника принесли художнику  международное признание. В 1981 году Кубота перешел от работы с отдельными кимоно к созданию многочастных композиций, составленных из нескольких произведений, в которых изображение развивалось от одного кимоно до другому. Это давало художнику возможность создавать панорамные виды большой протяженности, передавая великолепие природы.

    Серия «Симфония Света»  является одним из самых значительных творений Итику Куботы. Она  отражает его восхищение природой, вдохновение, полученное от созерцания нескончаемой игры меняющегося света. Первые пять работ его замысла были созданы в 1981 году. Успех настолько вдохновил Итику, что он предпринял создание уникальной масштабной серии из 80 кимоно, которая должна была отражать его видение мира, заключенное в двух частях- «Четыре времени года» и «Вселенная». Итику успел завершить только 29 произведений из цикла «Четыре времени года», изображающих осень и зиму, и пять- из цикла «Вселенная». После этого еще две работы из цикла «Вселенная» на основе эскизов Куботы были завершены в его мастерской.

       А теперь мы поговорим об  этапах создания данных произведений, в которых  очень важна тщательность, аккуратность и, безусловно, терпение.

Читать полностью »


Новая роскошь: голландский дизайн в эпоху аскетизма.

     С большим удовольствием приглашаю всех читателей, искателей, копателей  и просто  прохожих сайта «В мире вещей»  посетить вместе со мной  одно любопытное мероприятие студии DROOG  с  интригующим названием «Новая роскошь:  голландский дизайн в эпоху аскетизма» и получить заряд хорошего настроения и вдохновения для будущих своих творений и побед.

   Как демонстрирует вся экспозиция, роскошь –это не всегда дорогостоящее сырье, мастерская ручная отделка или эксклюзивные лейблы. Совсем необязательно, чтобы роскошные предметы были сделаны из экстравагантных материалов, в них есть ещё одно важное качество – нестандартный идейный ход, вдохновение, нечто неожиданное, ломающее рутину.

Дизайнеры всего проекта используют в своих работах деревянные, бывшие в употреблении, погрузочные паллеты. Отказ от дорогостоящего оборудования  - это сознательный приём. Вокруг царит атмосфера аскетизма, непритязательности и внимательного отношения к повседневности.

Упавшее дерево может служить скамейкой, а в комбинации с классическими бронзовыми спинками стульев становится эксклюзивным предметом.

Скамья-бревно / Юрген Бей / материал: ствол дерева, 3 бронзовые спинки от стульев./ 1999 г.

Многослойный диван /Катрин Грейлинг/ материал: поролон, дерево, обивочный материал./ 2012г.

     200 цветных листов бумаги можно пролистать и освежить в памяти теорию эволюции, вспомнить  историю  появления растений и животных. Как только «обивка» истирается, ее можно легко оторвать и снова любоваться  новым принтом.

Стул Дарвина /Стефан Загмайстер/ материал: 200 цветных листов бумаги, эпоксидный клей./ 2010г.

  Высокотехнологичный углеродный материал и армированный пластик комбинируются в форму стула, так же используетя старинная техника макраме, в результате — лёгкий стул уникального дизайна.

Плетёный стул /Марсель Вандерс/ материал: углеродный материал, армированный пластик, эпоксидная смола./ 1996г.

  

    Кресло сделано из 19 слоёв ненужной одежды, предмет продаётся в готовм виде, но владелец может добавлять и свою одежду. Каждое кресло уникально, каждое- сокровищница воспоминаний.

Тряпичное кресло /Тейо Реми/ материал: текстиль, металлические ленты./ 1991г.

Читать полностью »


Тэмари.

        Давным-давно бережливые китайские женщины,  ломая голову, чем занять своих детей, стали делать из  обрезков старых кимоно  забавные  мячики.  Ткань максимально ужималась, обматывалась нитками и расшивалась декоративными узорами. В VIII веке они докатились до Японии, где и началась  история тэмари.

 Тэмари (яп. 手まり、手毬、手鞠  в переводе «ручной мяч» —  это японская национальная техника вышивания на шарах.

        Изначально  тряпичные  мячи использовались только для игры «кемари», что означало «ножной мяч», представители высших сословий играли  дорогими мячами из оленьей кожи. Они были настолько тугими, что легко подпрыгивали от удара об землю. Позднее подобные мячи можно было встретить в руках уличных жонглёров. Прекрасной половине японской аристократии в силу особенностей культуры и костюма  ничего не оставалось, как тоже играть с мячом руками.  В XIV—XVI веках   появляются первые шары, украшенные  шёлковыми вышивками, так «кемари» превратилось в «тэмари».

    Создание расшитых шаров становится главным увлечением японских девушек.  Данный вид рукоделия начал стремительно развиваться и усовершенствоваться. Появлялись новые  узоры, усложнялась техника вышивания, начали использовать не только шёлковые, но и золотые нити. Тэмари становится показателем мастерства своей хозяйки, прекрасным подарком, амулетом или напоминанием  о родном доме. Сюжет вышивки свидетельствовал о принадлежности к тому или иному сословию и  для каждому региона Японии были характерны свои орнаменты.

     В XIX веке шёлковые нити становятся более доступными  для большей части населения, также активно начинают использовать и нити из хлопка. Секреты вышивки начали передавать из поколения в поколение, а тэмари становится  национальным искусством.

    Тэмари завораживают симметрией рисунка, яркими цветами и сложными переплетениями нитей на шарообразной форме. Процесс создания тэмари очень трудоемкий, но интересный.  Для создания одного шара  нужно иметь не только талант и многолетний опыт, но запастись огромным терпением.

     Традиционно основой тэмари служат ,смотанные в тугой клубок,  лоскуты кимоно или мешочек с рисовой шелухой , в нашем, отечественном,  варианте  можно использовать полоски мягкой ткани длиной 30-40 и шириной 1,5—2 см , скомканные полиэтиленовые пакеты, старые капроновые колготки, носки или пенопласт. Чтобы тэмари ещё и  звенел в основу вставляют колокольчики или мелкие шарики.

     Основу туго обматывают катушечными нитками (шерстяными или хлопчатобумажными), формируя плотный и ровный шар.

        Далее делают разметку тэмари с помощью узких бумажных лент, это может напоминать  меридианы и параллели на глобусе,  в местах пересечений линий  втыкаются булавки-ориентиры для  будущего узора.

      Для вышивки используют шёлковые, синтетические или нитками мулине.

Читать полностью »


Карамельные реки — медовые берега.

   * Кондитерские изделия — это специально изготовленные человеком сладости. 

     Термин «сладости» всегда применялся в более широком смысле, чем кондитерские изделия и охватывал все природные пищевые продукты сладкого вкуса, главным из которых во все времена оставался мед. Что такое сахар,  европейцы узнали лишь во время похода Александра Македонского в Древнюю Индию в IV век до н.э. В свою очередь, научные исследования  утверждают, что в Индию сахарный тростник  ввезли  еще в период неолита с острова Новая Гвинея.  Первоначально тростниковый сахар  люди называли по привычке медом: римляне — «медом из тростника», китайцы — «каменным медом», египтяне — «индийской солью». На Руси первое упоминание о сладком заморском товаре датируется  1273 г.  Тогда еще никто не помышлял об экспериментах над сладкими кусочкоми, их употребляли только как самостоятельный продукт. Однако, если представителю Древней Руси было необходимо продемонстрировать  свою любовь и уважение к ближнему кусочка сахара было явно недостаточно,  и тогда на помощь приходило самое популярное в то время изделие- медовый пряник!  Размер пряника напрямую свидетельствовал о размере чувств. Иногда, «чувства дарящего» были настолько велики, что еле умещались на двух санях. А еще был обычай дарить подарки,  бережно укладывая их на медовый пряник, отсюда появилось выражение «класть на пряник», что означает «делать подарки».

      Так же на Руси лакомились фруктами и ягодами,  засахаренными в меду, их называли «сухим» или «киевским» вареньем. Следом появились мелкие шарики  из сахара, называемые «драже», что в переводе с французского означает «лакомство». Кстати, французы, бежавшие от французской революции  принесли с собой  и привычное  нам  пирожное  «эклер».  А вот «шоколад» родом из Древней Мексики, его название происходит от ацтекского названия жгучего (из-за содержания в нем перца), горького на вкус напитка  «чоколатль», что в переводе означает  «горькая вода». Испанцам, захватившим в 1519 году древнюю столицу Мексики, напиток не понравился. Но царский вариант «чоколатля», приготовленный из обжаренных семян какао, растертых с молодыми зернами кукурузы, с добавлением меда и ванили привёл всех в восторг. Шоколад пили и о твёрдом его варианте никто не задумывался вплоть до XIX века. Технология изготовления плиточного шоколада  была разработана и усовершенствована в XIX в. усилиями швейцарцев, голландцев, англичан и шведов.

    Но Россия  активно развивает и собственное производство сахара, высаживая  свеклу на своих огородах и полях. В 1802 году в Тульской области начинает свою работу первый  свеклосахарный завод. Вскоре прилавки  кондитерских лавочек и магазинов  наполняются всевозможными  тортами, пирожными, печеньем, вафлями и карамелью, изготовленными из родного сахара.

История 1 — Бабаевский.

      Одна из историй отечественного кондитерского производства  начинается с  крепостного слуги Степана Николаева , служившего при статской советнице Анне Петровне Левашовой, помещице села Троицкого Пензенской губернии. Семья Степана готовила к столу барыни различные сладости и лакомства. Через некоторое время  помещица позволяет Степану уехать в Москву на оброк, но одному без семьи. Ему дозволено открыть  там дело, с тем, чтобы каждый год выплачивать барыне определенную сумму денег. Только под конец жизни, скопив нужную сумму, Степан смог получить вольную и для себя, и для своих близких.  3 августа 1804 года он с семьей окончательно перебрался в Москву и начал хорошо знакомое дело. Работали артелью: сам Степан, его жена Фекла Ивановна, сыновья Иван и Василий, дочь Дарья. Продукция артели быстро приобрела своих постоянных клиентов. Игумен Ново-Спасского монастыря был в восторге от абрикосовой пастилы и мармелада, изготовленных в артели Степана Николаева и благословил их производство иконой. Известность семьи быстро росла, и вскоре Степан открыл бакалейную лавку с фруктами, кондитерскими изделиями и записался в купцы Семеновской слободы. В искусстве  творить сладости из абрикосов Степану не было равных и вскоре его так и прозвали — Абрикосовым.  Но официальную  фамилию   «Абрикосовы»  потомки Степана  получили только в октябре 1814 года.

          После смерти Степана Николаевича дело принял на себя его старший сын, Иван Степанович. В намереваясь расширить производство, Иван Абрикосов выписывает в Москву из деревни двоюродных братьев, отпущенных на оброк. Иван  значительно увеличил выпуск кондитерской продукции и расширил ее ассортимент. Далее семейное дело передаётся от сына к сыну. В заведении работают уже 24 наемных рабочих. Растёт и семья Абрикосовых, что подталкивает их к переезду на Лубянку в дом, на месте которого сегодня находится Политехнический музей. Алексей Иванович- внук Степана Николаева  покупает лошадь и самолично ездит на Болотный базар покупать ягоды и фрукты. К концу 60-х годов  XIX в.  Абрикосовы- это большая и дружная семья. Всего у Алексея Ивановича и Агриппины Александровны родилось 22 ребенка — 10 сыновей и 12 дочерей,17 из них дожили до преклонного возраста.

      В 1873 году была удовлетворена просьба  А. И.Абрикосова об установлении в мастерской паровой машины мощностью в 12 л. с. и о переводе производства в разряд фабрик. С этого момента кондитерское предприятие А.И. Абрикосова вошло в число крупных производителей кондитерских изделий, первыми  применивших паровые установки в России наряду с фабриками «Эйнем», «Сиу и К°» и др.

     На фабрике Абрикосовых производством конфет, варенья, пряников и других кондитерских изделий занималось  уже  более 120 человек.  К праздникам от хозяина они обязательно получали подарки.

    В 1874 году Алексей Иванович пишет в своем прошении на имя московского генерал-губернатора: «Желаю передать принадлежащую мне фабрику в полном ее составе своим сыновьям Николаю и Ивану Алексеевичам Абрикосовым«. Ниже была приписка сыновей: «Мы, нижеподписавшиеся, желаем приобрести фабрику А. И. Абрикосова, содержать и производить работу под фирмой «А. И. Абрикосова Сыновей«.

     В 1880 году учреждается фабрично-торговое товарищество на паях «А.И. Абрикосова Сыновей», в состав которого входят уже пять молодых Абрикосовых: братья Николай, Иван, Владимир, Георгий, Алексей. Первоначальный капитал Товарищества составил 2 млн. рублей.

  В 80-е годы XIX века по своим показателям Товарищество становится крупнейшим производителем шоколада, конфет, карамели, бисквитов в Москве, входя при этом в пятерку лидирующих фирм, поставляющих около 50% всей кондитерской продукции в России.

     Товарищество имело сеть розничных магазинов в Москве: в Солодовниковском пассаже на Кузнецком, в Верхних торговых рядах (теперь ГУМ), на Тверской и Лубянке. Сладости от Абрикосовых можно было купить на Невском проспекте в Санкт-Петербурге, на Крещатике в Киеве, на Дерибасовской в Одессе, а также в Ростове-на-Дону. Оптовые склады фирмы работали в обеих столицах, в Одессе, на Нижегородской ярмарке.

Читать полностью »


Мода в зеркале истории XIX-XX вв.

     Сегодня я приглашаю вас на удивительную по своей красоте и богатству, познавательную по содержанию и уютную по своей атмосфере выставку «Мода в зеркале истории XIX-XX вв.» И попутно будем с вами выяснять, что-же носили наши пра-пра-пра… бабушки. Организаторы  выставки рассказали, как сложно узнать историю того или иного экспоната , в обществе было не принято рассказывать о вещах и даже  небезопасно. Иногда, старинные платья просто подбрасывали под двери музея, чтобы сохранить эту красоту, но не афишировать свою принадлежность к аристократическим кругам, у которых чаще всего и сохранились дореволюционные роскошные предметы быта и одежды.

И начнем с 1800-х годов XIX в., когда в день модницы могли поменять свой наряд до  шести раз за день. Утром  пеньюар уступает место  домашнему платью, затем следует  прогулочный наряд, а после прогулки необходимо переодеться для визита, затем выпить чашку чая в подходящем для этого случая платье, к обеду тоже следует быть привлекательной и «свежей», и, наконец, вечером наступает очередь бального или театрального платья. Фактически все время светской женщины было посвящено смене туалетов и украшению себя.

А теперь посмотри на платья начала XIX в. Высокая талия делит фигуру в соотношении 1 : 7 и 1 : 6. Состоит из прямой длинной юбки и узкого лифа.  В 1802 году женщины носят легкие платья без нижних юбок, некоторые даже без сорочек. Выставляются напоказ шея, грудь, руки. Платья имеют низкое декольте, короткий рукав фонарик. В первые годы XIX века носили предпочтительно платья белого цвета. В 1809 г. в костюме вновь появляется корсет. Шарфы и шали так же стали необходимой принадлежностью гардероба каждой модницы, женщины умело драпировались и закутывались в них.

На фото: Платье из атласа, отделанное шелковыми полосами и шнуром в тон. (Россия 1810-е годы)

    Не смотря на наличие шерстяных шалей и  душегреек, большинство дам по окончании бала выходили прикрываясь только одним муслиновым шарфом, наброшенным на плечи и стянутым на груди, что очень сильно беспокоило медиков той поры. Так же прозрачные наряды не оставляли равнодушными и мужчин,  Тюдом пишет в 1807 году в своем Зеркале Парижа, «Они (женщины) имеют вид выходящих из ванны и нарочно показывают свои формы под прозрачными тканями». Но дамы продолжали «совершенствовать» свои прелести и многие стали носить искусственный бюст, «имитировавший природу во всей ее свежести и красоте», поддельные икры и т. п.; все эти «прелести» продавались открыто, красуясь на выставках в модных магазинах.

На фото: Платье из муслина, вышитое «французским узелком» (Франция, 1800-е годы)

Фасон платья зависел от его назначения: летние платья шили из легких, светлых  тканей — кисеи, батиста, шелка и т. д.; парадные — из атласа, тафты, бархата

На фото: Бальное платье из шелковой тафты, декорировано аппликацией из атласа. (Франция 1815 г.)

      Читать полностью »


Как появились куклы. Пространство кукол (фото)

      Вы подобрали на прогулке кусочек дерева или корня, напоминающие человеческую фигуру? Может в детстве любили играть с кукурузным початком, заплетая в косу «кукурузные волосы»? А как насчет кусочка послеобеденной кости? Именно из таких материалов и появлялись самые первые примитивные куклы.
Древнейшие куклы, созданные не только природой, но и стараниями людей датируются уже 20в. до н. э. Египтяне вырезали их из тонких кусочков дерева и покрывали геометрическими рисунками, имитируя одежду. Нитки, унизанные деревянными и глиняными бусами, использовали для создания кукольных париков и приклеивали воском.
Модница Клеопатра заказывала наряды для особо торжественных случаев по эскизам, выполненным в миниатюре для своих многочисленных кукол.
В Древней Греции в 5-4 в. до н.э. большинство кукол создавали из терракоты (обожжённой глины).Город Сордис стал центром кукольного мастерства. Только после свадьбы гречанки расставались со своими любимыми куклами, доверяя их богиням Артемиде, Афродите, Гере
А в Древнем Риме в саркофаге, жены императора Гонориуса (384-423 г.н.э.) императрицы Марии была найдена великолепная кукла из слоновой кости.
Древние славяне поступали гораздо проще, используя белый лоскут без обозначения глаз, носа, рта и ушей, не давая кукле «ожить» и вселиться в неё злым духам, которые, по представлениям славян, входили через глаза и рот, реже через нос и уши.
Но все куклы XVI, XVII, XVIII, XIX вв., сделанные из гипса, дерева, фарфора и т.д., куклами-игрушками пока не являлись. Они украшали дома, служили для обрядовых целей, использовались в домашних спектаклях, а некоторые экземпляры приравнивались к государственным наградам. Во некоторых английских аристократических семьях куклы-награды из гипса, папье-маше, врученные их предкам лично королями или королевами за заслуги перед империей, передают из поколения в поколение.
Лишь в конце XIX-го века произошел однократный и резкий скачок в развитии кукольного производства. Читать полностью »


Как создавалась «Нива».

Как это было в ноябре 1904 года :

 «Нива» это роскошный дворец типографских машин, заполнивших собой ряд флигелей в 4-5 этажей , что сравнимо с целым уездным городком в тысячу человек,  например как Пинега или Холмогоры ( прим. по данным  1904 г.)

Чтобы пройти быстрым шагом все типографские помещения потребуется около часа.

Обойдем лишь главные отделы типографии «Нивы».

В главном машинном зале мы видим громадные катушки бумаги в 2 аршина (прим. 142,24 см) ширины и около 1 аршина в диаметре (прим. 71,12 см) . Это пища ротационных машин. Они поглощают по 12 таких катушек в день, стоящих до 2 000 руб. В год создается  более 10 миллионов книг «Сборника Нивы» и «Литературных приложений».

В другом помещении идет фальцовка и сборка отпечатанных листов в книги. Здесь царство женского труда.

Работа по сборке требует большого навыка, скорости и добросовестности. Листы отпечатанной книги, начиная с последнего, складываются штабелями по порядку вдоль нескольких столов, и работницы друг за другом обходят столы и набирают листы: последний лист оказывается, как и следует, снизу, а первый –сверху. Как только книга собрана, она откладывается в сторону и быстро подхватывается уже другими работницами, которые выравнивают листы и подготавливают для сшивания. С быстротой и методичностью машин девушки движутся с кипами листов  в руках. Расстояние между столами  примерно в три сажени  (прим. 6,3 м) , в минуту они проходят почти два раза. В день же они пройдут это расстояние около 1 000 раз, т.е сделают почти 6 верст (прим. 6, 5 км) . При этом работницы большей частью молодые девушки, которым необходимо обладать и большой физической силой. За 10-ти часовой рабочий день, работницы незаметно по листам поднимают по 1 000 книг, в среднем по 16 листов каждая, т.е. 16 000 листов, всего около 30 пудов (492 кг).

Идем дальше и попадаем в отделение для сшивания. В год для данного этапа создания журнала уходит одних только ниток на 3 000 руб.

Вот мы уже у заключительных работ: листы сброшюровываются,  наклеивается обложка. Внутренняя работа закончена, остается работа по отсылке книги собственнику. Её упаковывают в серую бандероль и наклеивают печатный адрес. Вместе с книгой упаковывается и сам номер журнала. Он печатается отдельно, на отдельном этаже и требует большого внимания,  особенно по «приправке» и печати рисунков, которые еще должны некоторое время сохнуть.

   География читателей  «Нивы» довольно обширна и  раскинулась по всей России. Есть отдалённые места, в которые номер журнала доходит лишь тогда, когда выходит уже следующий номер, а то и следующая ежемесячная книга. Есть у «Нивы» отдалённейший в России подписчик- священник Андрей Сериков на острове Беринге, Командорской округи, Приморской области. Новый номер «Нивы» он ждёт по несколько месяцев.

Читать полностью »


Style modern — «новый стиль» (с фото «Нива» №9 1905г.)

      Style modern доказывал своё право на существование не в самых идеальных условиях.   Это сегодня никого из нас не удивишь самыми кардинальными и необычными идеями и новшествами. Мы, привыкшие, к обилию и разнообразию информации уже мало чему удивляемся.  И даже если Ваш сосед  решит поселиться в космическом корабле и назовет это «нанодачный style», то это вызовет, в самом лучшем случае,  любопытство, но никак не революционные настроения в обществе.

    В начале 19 в. людям в неспешном ритме жизни, в привычных «декорациях», в  добротной одежде и «безвредными», натуральными предметами обихода не приходило в голову, что через 100 лет их правнуки будут делать платья из газет и пластиковых бутылок, заворачиваться в туалетную бумагу и создавать диваны из пивных банок и картона.  А что еще впереди?

   Но, говоря о «новом стиле» для того времени-  это было действительно революционно новым , пугающе непонятным своими новыми линиями и отсутствием деталей направлением.  Модерн призывал широко мыслить, я бы сказала «единой глыбой» самой формой. А что могли люди, привыкшие видеть мир из лошадиной повозки?  И действительно, стоит только преклониться, перед смелостью дам, решившихся на украшения в непривычном  искривлённо-лаконичном стиле.  Возможно,  сегодня  это сродни, перекрасить волосы  в ядовито-зеленый цвет.

    А, глядя на фото  интерьеров в «новом стиле» сложно поверить, что им  108-лет!!!

Читать полностью »


Мой поход в Московский музей современного искусства.

О некоторых своих походах я сразу не рассказываю, так как нуждаюсь в «переваривании» впечатлений. Московский музей современного искусства на Петровке привлекал меня давно и всегда. Всё непонятное сознанию тут же становится для меня безумно интересным.

Это мой краткий рассказ о посещении данного места. Вывод могу сделать один- искусством может быть всё: старые калоши, ветхие газеты, грязные колготки и даже вы сами: посмотрите на свои пальцы, лежащие на клавиатуре- и это тоже шедевр, фотографируйте и вешайте на стену.

Попробую выразить своё отношение к нескольким экспонатам и хочу отметить, что в большинстве залов фотографировать нельзя, приходиилось играть в «шпиона».

Какой же музей современного искусства без работ Зураба Константиновича Церетели. Люди ходят вокруг  и радуются.

 

И немного странное соседство.

 

На стене в полумраке что-то происходит. Огромные руки роются в сокровищах маленькой кробки.

 

Философский экспонат. Напоминает историю «кто кого родил». Самое интересное в дырочке…загляни и станешь мудрым человеком. А вам придётся поверить мне на слово.

   Тарелка многообещающая, в частности различные оптические иллюзии. Покрутилась я возле неё со всех сторон, но тарелка не поддалась моим стараниям увидеть что-то запредельное.

Не знаю, один ли человек заготавливал фантики в течении всей жизни или всей кондитерской фабрикой постарались, но панно из фантиков получилось на славу- большое, яркое, и пусть кто усомниться, что это не искусство.

Посетители музея могли участвовать с создании собственного «произведения искусства». В середине зала стоял ноутбук, а под ним разрешение на комментарии. Несколько слов о наболевшем…И люди созерцают ваше творчество на стене.

 

      Забрела я  в стеклянный уголок. В каком-то, известном только самому «художнику», порядке банки заполнены тряпьём. Как специалист в области дизайна могу только подтвердить, что порядок художественный, по цвету выверенный и композиционно правильный. Если кому-то интересно, то банки трёхлитровые, количество не считала. Страшно было задеть хотя бы одну из банок…в общем вы представляете эту хрупкость конструкции.

   

Эта конструкция скорее относится к искусству восприятия звука. Хотя мне очень нравится и форма.

 Вот уж поистине тяжёлый день и как страницу перевернуть? Завтра, надеюсь, будет легче.

          А это, так сказать, в интерьере для тех, кого не пугает фраза «вместе навсегда» и умиляют замки в честь нерушимой любви. Что же делать «проржавевшему стулу», которого держат на цепи, не отдавая ключа, и каждый день он видит каменную страницу «сегодня»? Обнаруживаю в себе желание бежать отсюда скорее пока не приковали.

      Это наша будущая еда, можно начинать тренироваться вырезать из зефира кубики. В целом геометрические формы выстроены великолепно.

Ещё один забавный сюжет. И кто такая пипа?

        На стене читаю — «Искусство есть». Муха выглядит объёмной, но на самом деле это иллюзия, она нарисована на стене. Немного жутковатое ощущение: в узком коридоре и в несоразмерных пропорциях чувствуешь себя частью их еды.

   Я попадаю в чёрный-чёрный зал. Посетителям разрешают пользоваться только подсветкой мобильных телефонов. Не могу точно описать размеры помещения, вокруг кромешная тьма, под ногами что-то мягкое. В зале не единой щели, всё оббито и покрыто чёрной тканью. Люди подсознательно переходят на шёпот. Сколько их в зале неизвестно, так как все перемещаются бесшумно по мягкому полу и в абсолютной темноте. Можно ориентироваться только по тусклым огонькам мобильников.  Картины на стенах с соответствующим устрашающим и парадоксальным сюжетом. Пытаюсь идти вперёд и в темноте встречаю невесту-привидение. Зрелище очень красивое и необычное. Довольно на большом расстоянии вижу полоску света то появляющуюся, то исчезающую и стремлюсь туда. Выхожу как крот на поверхность. Странное чувство, все вышедшие оттдуа одной случайной групой в 3-4 человека вдруг становятся почти родными. Такое бывает, когда чужие люди пережиют какой-то общий стресс или происшествие. Преодолев чёрную комнату, все  чувствуют прилив сил и эйфорию.

 

 

И это тоже абсолютная иллюзия. Человеческая фигура плавает в воде лицом вниз, т.е. я вижу его спину. Выглядит очень реалистично даже при близком рассмотрении. Органы чувств отказываются верить в твёрдый пол под ногами.

Мне очень понравились эти ящички с трёхмерными персонажами. Предметы вокруг них вполне реальны и сделаны с высоким мастерством. А герои настолько реально симитированы, что возникает желание взять их в ладонь.

  

Описывать словами подобные эффекты не просто. По-этому, если у вас есть три минутки, то щёлкайте на маленькое видео, которое я с любовь создала для вас. И не забывайте о том, что в мире есть много интересных и удивительных вещей.