Зачем современному дому вещи из дерева?

Использование экологичных материалов из дерева, позволит вам украсить свой дом, сделать его уютнее и теплее. Жизнь среди стекла, бетона и пластика, возможно, стала привычно для вас , но не удивляйтесь, что сегодня у вас плохое настроение. Ваше зрение, ваше подсознание изначально настроено на созерцание совершенно  иных материалов и конструкций.

К сожалению,  у современного человека  не всегда есть возможность построить своё жилище целиком из дерева. И тогда на помощь приходят отдельные детали, небольшие уголки и предметы мебели.

Дерево позволяет не только облагородить ваше жилище, повысить его ценность, но воплотить самые смелые мечты от строгой конструкции до шедевра с плавными стекающими линиями в стиле Антонио Гауди. Если вы любуетесь резными шкафами креслами и диванами, то почему-бы не позволить себе подобную мебель дома.  С помощью собственной деревянной мебели, авторских лестниц, дверей  вы подчеркнёте и собственную уникальность.  Например,  представьте себе, какими могут быть ваши двери, если вы подключите собственную фантазию или донесёте свою давнюю мечту  до художника-дизайнера.  Вы можете создать собственную атмосферу,  которую не стыдно передать будущим поколениям.

  

Кроме отдельных предметов мебели , вы можете создать в своём доме целые уголки свежести и тепла. Это может быть кухня, напоминающая вам «лето у бабушки», спальня, наполненная приятным запахом  дерева, уютный коридор или прихожая.

Кроме красивого внешнего вида у дерева есть ещё одно ценное свойство. Оно заряжает энергией, снимает напряжение и усталость. Те из горожан ,кому посчастливилось пожить в деревне очень хорошо помнят это состояние умиротворения и спокойствия, рождённого особой атмосферой деревянного дома. Вы быстро засыпаете, утром просыпаетесь бодрым и здоровым. Появляется энергия и силы, поднимается настроение, и вы возвращаетесь в город полностью отдохнувшим.

Ни один современный материал не заменит человеку то, что было дано природой с момента её возникновения. Ваши глаза, подсознание изначально настроены на природные формы и материалы. Иные, искусственно созданные,  вещи приводят наш организм к стрессу.  Гладкие «не интересные» поверхности, простые формы, отсутствие деталей, заставляют наш глаз усиленно перебирать безликие о предметы, искать, за что можно  «зацепиться»- это утомляет, приводит к стрессу и лишает энергии.  Именно поэтому крайне желательно иметь в доме вещи и даже целые уголки, созданные из полноценного дерева. К нему приятно прикасаться, на него приятно смотреть, изделия из дорогих пород дерева делают ваш дом солидным, притягательным и благоприятным для отдыха и общения.

 

Для нашего комфортного восприятия  также важна не только форма, но и цвет. На генетическом уровне человек впитал в себя основные оттенки природы,  и только они способны вернуть ему внутреннее равновесие и умиротворение. Яркие, кричащие цвета в доме могут радовать только первое время, а затем будут вызывать желание сбежать в лес, уткнуться взглядом в течение реки, уйти в горы и т.д.  Любые оттенки древесины способствуют умиротворению, так как воспринимаются нашим мозгом, как родная естественная среда. К тому же подобные цвета  легко списываются в любой интерьер.

Существует еще одна очень интересная взаимосвязь. Дом, в котором «живёт» добротная мебель, резные двери, деревянные лестницы автоматически притягивает добро, любовь и достаток. И в этом нет ничего удивительного.  Когда вы разрешаете себе  жить лучше, вносите в своё жилище капельку творчества, отдаёте ему свою любовь и тепло,  то ваш дом благодарит вас, притягивая к вам удачу, везение, уникальных и интересных  людей. Вы поднимаетесь на новый уровень, и вам будет сложно вернуться к стандартным тумбочкам и стандартным отношениям.  Вам захочется идти только вперёд. Желание сделать что-то ещё для своего дома будет только увеличиваться. Помните, создавая свой дом, вы создаёте и себя и чем ближе остаётесь к природе, тем больше у вас шансов сохранить здоровье и позитивное отношение к жизни!

  

Фото предоставлены компанией «Елисей»  8 (916) 576-13-09 ; 8 (916) 441-81-00


Как появился самовар.

   Сегодня всё реже в наших домах можно встретить такую полезную, а самое главное, наполняющую  дом особым уютом и теплом вещь, как самовар или…  устройство для приготовления кипятка, которое «само  варит».

      Изделия, подобные самовару, были известны еще в античные времена. Древние римляне брали сосуд, наполняли его водой и бросали туда раскаленный камень, после чего наслаждались горячим кипятком. Со временем  и  в Европе стали появляться похожие устройства, но более совершенные по конструкции. В Китае так же существовал прибор, напоминающий самовар, снабжённый  трубой и поддувалом.

      Где и когда появился первый самовар  в России доподлинно не известно.  Можем лишь предположить, что в 1701 году, тульский кузнец-промышленник И. Демидов, отправляясь на Урал  забрал с собой  медных дел мастеров, которые и  положили начало самоварному производству. Первое упоминание самовара в исторических документах датируется 1746 годом. В прошлом самовар предназначался только  для пользования в походных условиях,  по- этому имел небольшие размеры, съемные ножки и объем 3-8 литров. Однако встречаются  и более объемные варианты на  12-15 литров.

       В 1730-1740 гг. самовары  используют на Урале, а позднее  и в Москве, Туле, Петербурге. В 19 веке самовар уверенно «шагает» во Владимирскую, Ярославскую, Вятскую губернию.

      Тула становится столицей самоварного производства. Этому способствовало  несколько причин: месторождение железных руд, сосредоточение большого количества мастеров по металлу, выгодное географическое положение и близость к Москве.

      В конце 1770-ых годов оружейник Фёдор Лисицын, увлекавшийся в своей мастерской разными работами по меди, открывает в Туле  первое самоварное заведение.  Согласно архивным данным, его сыновьями – Иваном и Назаром Лисицынами в Заречье на Штыковой улице был изготовлен самый первый тульский самовар .  В 1778 году купец третьей гильдии Назар Лисицын первым в Туле зарегистрировал самоварную фабрику и заложили основу для будущего семейного дела Лисицыных. На них работаю уже четыре тульских мещанина, семь оружейников, два ямщика и 13 крестьян. Капитал  фабрики составляет 3000 рублей, а доход – половину капитала. В 1783 году фабрика становится собственностью сыновей  Лисицына. По наследству фабрика Назара перешла к сыну Никите. В 1823 году фабрика выпустила  уже 425 самоваров, по найму  работает 20 человек. В 1824 г. выпущено 400 самоваров, работает по найму 19 человек. В Туле продано 190 самоваров, остальные 210 штук  разошлись по городам.

    Лицисыны выпускаются самовары самых  разнообразных  форм и отделок: бочонки, вазы, с чеканкой, с гравировкой, богато декорируются краны и изящные ручки. При таком разнообразии процесс производства полностью механизировать было невозможно. Неизменными  остаются и орудия труда:  кобылины, стойла, ножницы, паяльники, молотки, железные формы для наведения фасона. В 1856 г. Никите Лисицыну вручается медаль и кафтан  за отличное качество продукции.

     В 1826 г. в Туле насчитывается восемь самоварных фабрик, в 1850 г.  их число возросло до двадцати пяти. На фабриках используется  ручной труд и  широкое  разделение труда, всего насчитывалось 7 основных специальностей: наводильщик (гнул металлические листы, придавал форму), лудильщик (вылуживал внутреннюю часть самовара оловом), токарь (точил на станке и полировал самовар), слесарь (делал ручки к самоварам), сборщик (собирал из частей самовар), чистильщик (очищал самовары).

      В1850 г. в мастерских с утра до ночи льют, чеканят, чистят от  10 до 100 человек. Продукция сбывалась в основном  в Москву, Санкт-Петербург, Варшаву и на Нижегородскую ярмарку, откуда самовары расходились во все уголки не только России, но за границу.

     Продавали самовары,  как на вес, так и поштучно. В 1850 г. было изготовлено до 50 тыс. штук самоваров, годовой оборот составлял до 500 тыс. руб.  серебром.

      В начале 19 в. у всех на слуху были фамилии известны купцов-фабрикантов — Лисицыных, Ломовых, Киселевых, Медведевых, Сомовых, Черниковых, Маликовых, Карашевых,  Балашевых.

Читать полностью »


Итику Кубота кимоно или больше?

      Располагайтесь поудобнее, отвлекитесь от суеты, заварите себе ароматный чай и приготовьтесь совершить приятное путешествие в мир гармонии и красоты… Итак, мы отправляемся в Японию, чтобы узнать как можно больше о талантливом  художнике новаторе  Итику Кубота /Itchicu Kubota/,  с работами которого, мне посчастливилось познакомиться лично.  Я отношу Куботу  к той редкой категории людей, которые воспринимают мир не только поверхностными впечатлениями  «что вижу, то пою», но и  становятся частью этого мира, погружаются в него всем существом, тем самым «добывая» и открывая людям новые краски, новые ощущения. Искусство Итику, не смотря на сложное техническое  исполнение, я бы больше назвала философским. Почему?  Скользите взглядом по этим строчкам и скоро Вы всё узнаете…

       Сразу отмечу, что мастеру принадлежит заслуга возрождения древней техники декорирования Цудзигахана ( букв. «цветы на пересечении дорог»)  некогда считавшейся утраченной навсегда и создания её модификаций. Поверхность кимоно для Куботу  служит холстом, некоторые из них- это уникальные работы с индивидуальным изысканным рисунком, благодаря художнику сам предмет кимоно перешел из разряда предметов одежды в статус высокого искусства.

   Всю свою жизнь Кубота искал способ сделать кимоно символом традиционной Японии, уместным в современном мире. «Моим желанием было создать кимоно, у которого есть душа,- однажды сказал он,- взывающая к тем, кто её видит».

     Когда молодой 20-летний художник, мастер юдзен Итику Кубота  в 1937 году переступил порог Токийского национального музея, он и не подозревал о том, что его ждут впечатления, которые перевернут всю его жизнь. В залах музея Итику впервые познакомился с Цудзигахана- японской техникой изготовления кимоно XVI в., просуществовавшей всего сто лет с момента своего возникновения. Кубота был настолько захвачен полученными впечатлениями, что сейчас же решил посвятить себя возрождению древнего метода. Однако, Вторая мировая война нарушила его планы.

    Вернувшись в Токио, Кубота вновь приступил в работе в технике юдзен, однако не оставлял свои мысли о Цудзигахане. После многих лет изучения и экспериментов, ему удалось раскрыть многие тайны этого метода, но вместо того, чтобы полностью восстановить старинную технику, он прибегнул к её модернизации. Итику создал уникальный метод, основанный на собственных широких знаниях юдзен, применении современных тканей и красителей, технике многоточечного крашения тай-дай и росписи чернилами, характерных для Цудзигаханы. Мастер назвал новый метод Итику Цудзигахана в знак уважения к тому явлению, которое вдохновляло его на протяжении многих лет.

    Первые произведения Итику Цудзигахана были с успехом продемонстрированы в Токио в 1977 году, их инновационный дизайн и техника принесли художнику  международное признание. В 1981 году Кубота перешел от работы с отдельными кимоно к созданию многочастных композиций, составленных из нескольких произведений, в которых изображение развивалось от одного кимоно до другому. Это давало художнику возможность создавать панорамные виды большой протяженности, передавая великолепие природы.

    Серия «Симфония Света»  является одним из самых значительных творений Итику Куботы. Она  отражает его восхищение природой, вдохновение, полученное от созерцания нескончаемой игры меняющегося света. Первые пять работ его замысла были созданы в 1981 году. Успех настолько вдохновил Итику, что он предпринял создание уникальной масштабной серии из 80 кимоно, которая должна была отражать его видение мира, заключенное в двух частях- «Четыре времени года» и «Вселенная». Итику успел завершить только 29 произведений из цикла «Четыре времени года», изображающих осень и зиму, и пять- из цикла «Вселенная». После этого еще две работы из цикла «Вселенная» на основе эскизов Куботы были завершены в его мастерской.

       А теперь мы поговорим об  этапах создания данных произведений, в которых  очень важна тщательность, аккуратность и, безусловно, терпение.

Читать полностью »


Новая роскошь: голландский дизайн в эпоху аскетизма.

     С большим удовольствием приглашаю всех читателей, искателей, копателей  и просто  прохожих сайта «В мире вещей»  посетить вместе со мной  одно любопытное мероприятие студии DROOG  с  интригующим названием «Новая роскошь:  голландский дизайн в эпоху аскетизма» и получить заряд хорошего настроения и вдохновения для будущих своих творений и побед.

   Как демонстрирует вся экспозиция, роскошь –это не всегда дорогостоящее сырье, мастерская ручная отделка или эксклюзивные лейблы. Совсем необязательно, чтобы роскошные предметы были сделаны из экстравагантных материалов, в них есть ещё одно важное качество – нестандартный идейный ход, вдохновение, нечто неожиданное, ломающее рутину.

Дизайнеры всего проекта используют в своих работах деревянные, бывшие в употреблении, погрузочные паллеты. Отказ от дорогостоящего оборудования  - это сознательный приём. Вокруг царит атмосфера аскетизма, непритязательности и внимательного отношения к повседневности.

Упавшее дерево может служить скамейкой, а в комбинации с классическими бронзовыми спинками стульев становится эксклюзивным предметом.

Скамья-бревно / Юрген Бей / материал: ствол дерева, 3 бронзовые спинки от стульев./ 1999 г.

Многослойный диван /Катрин Грейлинг/ материал: поролон, дерево, обивочный материал./ 2012г.

     200 цветных листов бумаги можно пролистать и освежить в памяти теорию эволюции, вспомнить  историю  появления растений и животных. Как только «обивка» истирается, ее можно легко оторвать и снова любоваться  новым принтом.

Стул Дарвина /Стефан Загмайстер/ материал: 200 цветных листов бумаги, эпоксидный клей./ 2010г.

  Высокотехнологичный углеродный материал и армированный пластик комбинируются в форму стула, так же используетя старинная техника макраме, в результате — лёгкий стул уникального дизайна.

Плетёный стул /Марсель Вандерс/ материал: углеродный материал, армированный пластик, эпоксидная смола./ 1996г.

  

    Кресло сделано из 19 слоёв ненужной одежды, предмет продаётся в готовм виде, но владелец может добавлять и свою одежду. Каждое кресло уникально, каждое- сокровищница воспоминаний.

Тряпичное кресло /Тейо Реми/ материал: текстиль, металлические ленты./ 1991г.

Читать полностью »


Тэмари.

        Давным-давно бережливые китайские женщины,  ломая голову, чем занять своих детей, стали делать из  обрезков старых кимоно  забавные  мячики.  Ткань максимально ужималась, обматывалась нитками и расшивалась декоративными узорами. В VIII веке они докатились до Японии, где и началась  история тэмари.

 Тэмари (яп. 手まり、手毬、手鞠  в переводе «ручной мяч» —  это японская национальная техника вышивания на шарах.

        Изначально  тряпичные  мячи использовались только для игры «кемари», что означало «ножной мяч», представители высших сословий играли  дорогими мячами из оленьей кожи. Они были настолько тугими, что легко подпрыгивали от удара об землю. Позднее подобные мячи можно было встретить в руках уличных жонглёров. Прекрасной половине японской аристократии в силу особенностей культуры и костюма  ничего не оставалось, как тоже играть с мячом руками.  В XIV—XVI веках   появляются первые шары, украшенные  шёлковыми вышивками, так «кемари» превратилось в «тэмари».

    Создание расшитых шаров становится главным увлечением японских девушек.  Данный вид рукоделия начал стремительно развиваться и усовершенствоваться. Появлялись новые  узоры, усложнялась техника вышивания, начали использовать не только шёлковые, но и золотые нити. Тэмари становится показателем мастерства своей хозяйки, прекрасным подарком, амулетом или напоминанием  о родном доме. Сюжет вышивки свидетельствовал о принадлежности к тому или иному сословию и  для каждому региона Японии были характерны свои орнаменты.

     В XIX веке шёлковые нити становятся более доступными  для большей части населения, также активно начинают использовать и нити из хлопка. Секреты вышивки начали передавать из поколения в поколение, а тэмари становится  национальным искусством.

    Тэмари завораживают симметрией рисунка, яркими цветами и сложными переплетениями нитей на шарообразной форме. Процесс создания тэмари очень трудоемкий, но интересный.  Для создания одного шара  нужно иметь не только талант и многолетний опыт, но запастись огромным терпением.

     Традиционно основой тэмари служат ,смотанные в тугой клубок,  лоскуты кимоно или мешочек с рисовой шелухой , в нашем, отечественном,  варианте  можно использовать полоски мягкой ткани длиной 30-40 и шириной 1,5—2 см , скомканные полиэтиленовые пакеты, старые капроновые колготки, носки или пенопласт. Чтобы тэмари ещё и  звенел в основу вставляют колокольчики или мелкие шарики.

     Основу туго обматывают катушечными нитками (шерстяными или хлопчатобумажными), формируя плотный и ровный шар.

        Далее делают разметку тэмари с помощью узких бумажных лент, это может напоминать  меридианы и параллели на глобусе,  в местах пересечений линий  втыкаются булавки-ориентиры для  будущего узора.

      Для вышивки используют шёлковые, синтетические или нитками мулине.

Читать полностью »


Карамельные реки — медовые берега.

   * Кондитерские изделия — это специально изготовленные человеком сладости. 

     Термин «сладости» всегда применялся в более широком смысле, чем кондитерские изделия и охватывал все природные пищевые продукты сладкого вкуса, главным из которых во все времена оставался мед. Что такое сахар,  европейцы узнали лишь во время похода Александра Македонского в Древнюю Индию в IV век до н.э. В свою очередь, научные исследования  утверждают, что в Индию сахарный тростник  ввезли  еще в период неолита с острова Новая Гвинея.  Первоначально тростниковый сахар  люди называли по привычке медом: римляне — «медом из тростника», китайцы — «каменным медом», египтяне — «индийской солью». На Руси первое упоминание о сладком заморском товаре датируется  1273 г.  Тогда еще никто не помышлял об экспериментах над сладкими кусочкоми, их употребляли только как самостоятельный продукт. Однако, если представителю Древней Руси было необходимо продемонстрировать  свою любовь и уважение к ближнему кусочка сахара было явно недостаточно,  и тогда на помощь приходило самое популярное в то время изделие- медовый пряник!  Размер пряника напрямую свидетельствовал о размере чувств. Иногда, «чувства дарящего» были настолько велики, что еле умещались на двух санях. А еще был обычай дарить подарки,  бережно укладывая их на медовый пряник, отсюда появилось выражение «класть на пряник», что означает «делать подарки».

      Так же на Руси лакомились фруктами и ягодами,  засахаренными в меду, их называли «сухим» или «киевским» вареньем. Следом появились мелкие шарики  из сахара, называемые «драже», что в переводе с французского означает «лакомство». Кстати, французы, бежавшие от французской революции  принесли с собой  и привычное  нам  пирожное  «эклер».  А вот «шоколад» родом из Древней Мексики, его название происходит от ацтекского названия жгучего (из-за содержания в нем перца), горького на вкус напитка  «чоколатль», что в переводе означает  «горькая вода». Испанцам, захватившим в 1519 году древнюю столицу Мексики, напиток не понравился. Но царский вариант «чоколатля», приготовленный из обжаренных семян какао, растертых с молодыми зернами кукурузы, с добавлением меда и ванили привёл всех в восторг. Шоколад пили и о твёрдом его варианте никто не задумывался вплоть до XIX века. Технология изготовления плиточного шоколада  была разработана и усовершенствована в XIX в. усилиями швейцарцев, голландцев, англичан и шведов.

    Но Россия  активно развивает и собственное производство сахара, высаживая  свеклу на своих огородах и полях. В 1802 году в Тульской области начинает свою работу первый  свеклосахарный завод. Вскоре прилавки  кондитерских лавочек и магазинов  наполняются всевозможными  тортами, пирожными, печеньем, вафлями и карамелью, изготовленными из родного сахара.

История 1 — Бабаевский.

      Одна из историй отечественного кондитерского производства  начинается с  крепостного слуги Степана Николаева , служившего при статской советнице Анне Петровне Левашовой, помещице села Троицкого Пензенской губернии. Семья Степана готовила к столу барыни различные сладости и лакомства. Через некоторое время  помещица позволяет Степану уехать в Москву на оброк, но одному без семьи. Ему дозволено открыть  там дело, с тем, чтобы каждый год выплачивать барыне определенную сумму денег. Только под конец жизни, скопив нужную сумму, Степан смог получить вольную и для себя, и для своих близких.  3 августа 1804 года он с семьей окончательно перебрался в Москву и начал хорошо знакомое дело. Работали артелью: сам Степан, его жена Фекла Ивановна, сыновья Иван и Василий, дочь Дарья. Продукция артели быстро приобрела своих постоянных клиентов. Игумен Ново-Спасского монастыря был в восторге от абрикосовой пастилы и мармелада, изготовленных в артели Степана Николаева и благословил их производство иконой. Известность семьи быстро росла, и вскоре Степан открыл бакалейную лавку с фруктами, кондитерскими изделиями и записался в купцы Семеновской слободы. В искусстве  творить сладости из абрикосов Степану не было равных и вскоре его так и прозвали — Абрикосовым.  Но официальную  фамилию   «Абрикосовы»  потомки Степана  получили только в октябре 1814 года.

          После смерти Степана Николаевича дело принял на себя его старший сын, Иван Степанович. В намереваясь расширить производство, Иван Абрикосов выписывает в Москву из деревни двоюродных братьев, отпущенных на оброк. Иван  значительно увеличил выпуск кондитерской продукции и расширил ее ассортимент. Далее семейное дело передаётся от сына к сыну. В заведении работают уже 24 наемных рабочих. Растёт и семья Абрикосовых, что подталкивает их к переезду на Лубянку в дом, на месте которого сегодня находится Политехнический музей. Алексей Иванович- внук Степана Николаева  покупает лошадь и самолично ездит на Болотный базар покупать ягоды и фрукты. К концу 60-х годов  XIX в.  Абрикосовы- это большая и дружная семья. Всего у Алексея Ивановича и Агриппины Александровны родилось 22 ребенка — 10 сыновей и 12 дочерей,17 из них дожили до преклонного возраста.

      В 1873 году была удовлетворена просьба  А. И.Абрикосова об установлении в мастерской паровой машины мощностью в 12 л. с. и о переводе производства в разряд фабрик. С этого момента кондитерское предприятие А.И. Абрикосова вошло в число крупных производителей кондитерских изделий, первыми  применивших паровые установки в России наряду с фабриками «Эйнем», «Сиу и К°» и др.

     На фабрике Абрикосовых производством конфет, варенья, пряников и других кондитерских изделий занималось  уже  более 120 человек.  К праздникам от хозяина они обязательно получали подарки.

    В 1874 году Алексей Иванович пишет в своем прошении на имя московского генерал-губернатора: «Желаю передать принадлежащую мне фабрику в полном ее составе своим сыновьям Николаю и Ивану Алексеевичам Абрикосовым«. Ниже была приписка сыновей: «Мы, нижеподписавшиеся, желаем приобрести фабрику А. И. Абрикосова, содержать и производить работу под фирмой «А. И. Абрикосова Сыновей«.

     В 1880 году учреждается фабрично-торговое товарищество на паях «А.И. Абрикосова Сыновей», в состав которого входят уже пять молодых Абрикосовых: братья Николай, Иван, Владимир, Георгий, Алексей. Первоначальный капитал Товарищества составил 2 млн. рублей.

  В 80-е годы XIX века по своим показателям Товарищество становится крупнейшим производителем шоколада, конфет, карамели, бисквитов в Москве, входя при этом в пятерку лидирующих фирм, поставляющих около 50% всей кондитерской продукции в России.

     Товарищество имело сеть розничных магазинов в Москве: в Солодовниковском пассаже на Кузнецком, в Верхних торговых рядах (теперь ГУМ), на Тверской и Лубянке. Сладости от Абрикосовых можно было купить на Невском проспекте в Санкт-Петербурге, на Крещатике в Киеве, на Дерибасовской в Одессе, а также в Ростове-на-Дону. Оптовые склады фирмы работали в обеих столицах, в Одессе, на Нижегородской ярмарке.

Читать полностью »


Советская обувь.

          В дореволюционной России кожевенно-обувная промышленность была довольно отсталой отраслью. Выделкой кожи занимались маломощные полукустарные предприятия с примитивной техникой, а технологический процесс выделки кожи длился до 180 суток ( сегодня- 20—30 суток). Изготовлением обуви занимались в основном артели, ремесленные мастерские и кустари-одиночки. Индустриализация кожевенно-обувной промышленности осуществлялась крайне медленно. В 1913 было выпущено 68 млн. пар кожаной обуви, из них  обувными фабриками более 8 млн. пар. Большинство производственных операций (примерно 80%)  на обувных фабриках выполнялось вручную, а оборудование и инструменты ввозилось из-за границы.

         Кожевенно-обувная промышленность в дореволюционное время  развивалась преимущественно в северо-западных, западных и центральных районах России. Средняя Азия, Казахстан, восточные районы России почти совсем не имели подобных предприятий.

         В СССР  кожевенно-обувное  производство постепенно превратилось в крупную механизированную отрасль. Старые предприятия были реконструированы, так же были построены новые кожевенные заводы в Москве, Ельце, Кузнецке, Новосибирске, Иркутске, Могилеве, Фрунзе, Семипалатинске и др. Появились обувные фабрики в Свердловске, Тбилиси, Кузнецке, Новосибирске, Киеве и др.

     Молодёжь  20-х годов щеголяла в спортивных тапочках, мужчины, подражая вождям, носили мягкие сапожки, на ножках женщин постарше, после 17 года  поголовно ставших «товарищами» все чаще можно было увидеть всесезонные-универсальные,  похожие на мужские, бесформенные ботинки.

      В 30-е годы  завод «Красный треугольник» осуществляет прорыв в мире советской обувной моды и выпускает очень популярные в то время  мужские, женские, детские, с отделением для каблучка или с кнопочками сбоку галоши.

 

     После Великой Отечественной войны 1941—1945 наряду с восстановлением и реконструкцией старых предприятий были построены и новые  обувные фабрики в Шахтах, Ворошиловграде и Гродно.

     Сложные для страны 40-е годы мало изменили  обувную моду. В конце десятилетия  в Москве открывается Дом моделей, где демонстрировались  лакированные туфли на высоком каблуке. Но это было недосягаемой мечтой для обычной советской женщины, донашивающей после войны  в основном мужскую обувь. Юные девушки в это время старались обзавестись  парусиновыми тапочками, не забывая начистить их зубным порошком, перед тем, как бежать на танцы.

       В 50-е годы желание выглядеть красиво и элегантно постепенно возвращается к советским женщинам. Средний размер женской обуви – 36. В основном в моде широкий, устойчивый, средний каблук- 7 см. В то же время появляются высокие ботиночки с оторочкой каракулем, туфли на высоком каблуке, а в конце десятилетия можно встретить и настоящую шпильку. Обувь выпускалась по очень жёстким требованиям к технологии изготовления, маркировке, упаковке и качеству. В основном она была из натуральной кожи, не проклеенная, а прошитая крепкими нитками, имела качественную строчку и отделку.  Поэтому  можно считать, что обувь была очень добротной, хотя в понимании современного человека, избалованного переполненными витринами, большим разнообразием и эстетикой не отличалась. Но среди фотографий каталогов того времени, можно найти лакированные босоножки на танкетке, элегантные «лодочки»,  стильные туфли с перфорацией и др.,  которые вполне можно бы быть приняты за современные модели. Главным недостатком обуви того времени являлась очень неудобная колодка, что заставляло многих модниц обращаться к кустарям-сапожникам.

 

     

       Сапоги и босоножки добавили  разнообразия  в обувь 60-х. Мода на мини-юбки заставляет девушек задуматься о том, как выгодно подчеркнуть свои стройные ножки. Выручали босоножки на высокой платформе, которые, кстати говоря,  не продавались в магазинах и не выпускались советской промышленностью. Модницы тратили от 40 рублей, а для многих это равнялось половине месячного заработка, чтобы выкупить у фарцовщика желанную пару босоножек или «волшебный» чек, открывающий двери в магазин «Березка», где можно найти всё.  Не успев адаптироваться к босоножкам, очень скоро женщины переключаются на  сабо (текстильный верх, деревянная подошва). Так же в 60-е на советских улицах можно было встретить  молодых людей, одетых весьма необычно для советского гражданина. Наряду с яркой одеждой на ногах «стиляги» носили немыслимые конструкции контрастных цветов  из лака и замши на «манной каше» (каучуковая подошва). Стильные девушки носили изящные туфельки непременно на шпильках. Такая обувь противоречила принципам советского общества и за такую «вольность» можно было получить в глухой подворотне крепким советским сапогом, но это не пугало любителей  «быть не как все». И они упорно заказывали,  при неимении иных возможностей, свою необычную обувь у кустарей-одиночек и дефилировали в ней по главным улицам советских городов. Остальные граждане СССР продолжали носить скромные функциональные  разработки советских фабрик. Хотя стоит упомянуть о женах партийных работников и иных «избранных», которые, всё же,  могли себе позволить изящные туфли, привезённые мужьями из заграничных командировок. Так начинается мода на «импортное»…

  

 

     Наверно тем, кто помнит о всеобщем дефиците, трудно поверить, но в 1971м-году  СССР по объёму производства кожаной обуви занимает 1-е место в мире. Но, если говорить о выпуске обуви на душу населения (2,8 пары), то Союз всё же  отставал  от некоторых  развитых капиталистических стран. Из социалистических стран наиболее развитыми в кожевенно-обувной отрасли были  Польша, Чехословакия, ГДР, Венгрия. Чехословакия, занимавшая 1-е место в мире по производству обуви на душу населения, значительную часть своей продукции  экспортировала в др. страны, в том числе в СССР.

  Австрия и Италия для большинства простых советских людей были недосягаемы. Желание  обладать чем-то «заграничным»  удовлетворялось  выбросами на полки советских универмагов в конце каждого месяца югославской или чешской обуви. Импорт продавали  строго-  одну пару в одни руки, в исключительных случаях –две.

туфли на шпильке

  «Служебный роман» 1977 г.  ( Людмила Прокофьевна , Вера) :

-…Я бы такие не взяла. А на вашем месте интересовалась бы сапогами не во время работы, а после неё!

-Значит хорошие сапоги, надо брать!

Читать полностью »


Мода в зеркале истории XIX-XX вв.

     Сегодня я приглашаю вас на удивительную по своей красоте и богатству, познавательную по содержанию и уютную по своей атмосфере выставку «Мода в зеркале истории XIX-XX вв.» И попутно будем с вами выяснять, что-же носили наши пра-пра-пра… бабушки. Организаторы  выставки рассказали, как сложно узнать историю того или иного экспоната , в обществе было не принято рассказывать о вещах и даже  небезопасно. Иногда, старинные платья просто подбрасывали под двери музея, чтобы сохранить эту красоту, но не афишировать свою принадлежность к аристократическим кругам, у которых чаще всего и сохранились дореволюционные роскошные предметы быта и одежды.

И начнем с 1800-х годов XIX в., когда в день модницы могли поменять свой наряд до  шести раз за день. Утром  пеньюар уступает место  домашнему платью, затем следует  прогулочный наряд, а после прогулки необходимо переодеться для визита, затем выпить чашку чая в подходящем для этого случая платье, к обеду тоже следует быть привлекательной и «свежей», и, наконец, вечером наступает очередь бального или театрального платья. Фактически все время светской женщины было посвящено смене туалетов и украшению себя.

А теперь посмотри на платья начала XIX в. Высокая талия делит фигуру в соотношении 1 : 7 и 1 : 6. Состоит из прямой длинной юбки и узкого лифа.  В 1802 году женщины носят легкие платья без нижних юбок, некоторые даже без сорочек. Выставляются напоказ шея, грудь, руки. Платья имеют низкое декольте, короткий рукав фонарик. В первые годы XIX века носили предпочтительно платья белого цвета. В 1809 г. в костюме вновь появляется корсет. Шарфы и шали так же стали необходимой принадлежностью гардероба каждой модницы, женщины умело драпировались и закутывались в них.

На фото: Платье из атласа, отделанное шелковыми полосами и шнуром в тон. (Россия 1810-е годы)

    Не смотря на наличие шерстяных шалей и  душегреек, большинство дам по окончании бала выходили прикрываясь только одним муслиновым шарфом, наброшенным на плечи и стянутым на груди, что очень сильно беспокоило медиков той поры. Так же прозрачные наряды не оставляли равнодушными и мужчин,  Тюдом пишет в 1807 году в своем Зеркале Парижа, «Они (женщины) имеют вид выходящих из ванны и нарочно показывают свои формы под прозрачными тканями». Но дамы продолжали «совершенствовать» свои прелести и многие стали носить искусственный бюст, «имитировавший природу во всей ее свежести и красоте», поддельные икры и т. п.; все эти «прелести» продавались открыто, красуясь на выставках в модных магазинах.

На фото: Платье из муслина, вышитое «французским узелком» (Франция, 1800-е годы)

Фасон платья зависел от его назначения: летние платья шили из легких, светлых  тканей — кисеи, батиста, шелка и т. д.; парадные — из атласа, тафты, бархата

На фото: Бальное платье из шелковой тафты, декорировано аппликацией из атласа. (Франция 1815 г.)

      Читать полностью »


Москва. Парк им. Горького (видео)

       Перед просмотром моего маленького фильма для «жителей vmireveschey» предлагаю 5-минутный исторический обзор:   До XIX века  место, которое сейчас занимает Центральный парк культуры и отдыха им. М. Горького, находилось в прямом смысле этого слова «за городом». К середине XV века на этом месте обосновалось дворцовое село «Воробьево», и начала появляться дорога на Боровск и Калугу (Ленинский проспект). Крымского мост был построен на месте  Крымский брода, который при набегах крымских татар на Москву служил им переправой. В ХII — ХVIII веках на наиболее живописную часть правобережья Москвы-реки  обратила внимание дворянская титулованная знать. И вскоре здесь выстроились владения князей  Голицыных, Трубецких, миллионера-заводчика П.А.Демидова.

      В 1796 г. И.Д. Трубецкой продал свою усадьбу надворному советнику Василию Тимофеевичу Зубову.  В 1799 г. Зубов, в свою очередь,  скупил всю южную заовражную часть — усадьбу князя И.С.Барятинского и небольшое соседнее владение поручика А.П. Горяинова.  Площадь Нескучного сада выросла в два раза. А в 1806 г. щедрый В.Т. Зубов подарил все скупленные владения жене своего племянника Марье Емельяновне.

      В 1820 г. Марья Емельяновна  продаёт свою усадьбу княгине Екатерине Ефимовне Шаховской, а княгиня в 1821 г. перепродаёт ее своему мужу князю Льву Александровичу Шаховскому.

     Лев Александрович  очень активно и с большой любовью ведет работы по уходу за усадьбой: расчищаются дорожки, укрепляются сохранившиеся строения.

      Постепенно старый Нескучный сад своей отдалённостью от суетной жизни  становится привлекательным  местом  для прогулок.

     К середине XVIII века весь правый высокий берег реки почти сплошь застроен дворянскими усадьбами. Среди загородных поместий  находилось единственное фабричное владение — суконная фабрика Ф. Серикова.

       В конце ХVIII века и в ХIХ веке усадьба Демидова принадлежит Орловым и Вяземским и славится своими пышными балами, фейерверками, петушиными боями, бегами, театрализованными представлениями на «воздушном театре».

     В первой половине ХIХ века в Нескучном саду располагается  летняя  резиденция  царствующей семьи Романовых.  «Благородной публике», «простой люд» не допускался,  открывали сад для гуляний только во время отсутствия царской семьи. Во второй половины ХIХвека  сад становится самым популярным местом и, следуя моде того времени, появляется «заведение лечебных минеральных вод».

Читать полностью »